5 años pasaron desde que hiciéramos la nota sobre "El Club de Michael Jackson y sus Amigos". Absolutamente nada había en Internet en ese momento sobre aquel glorioso ciclo y fue SQM quien punteó sobre el tema durante mucho tiempo, destacándose también los aportes en los comentarios ("la final fue en Hollywood discotheque de Avellaneda y entre los del jurado estaba Federico Moura"), con polémica incluida sobre quien fue y quien debería haber sido el ganador del concurso.
Repasando: el programa comenzó llamándose "El Club de Michael Jackson", luego fue "El Club de Michael Jackson y sus Amigos", y posteriormente cambió de nombre un par de veces más. Se emitió durante 1983/84, los lunes a las 21 (también salió los sábados a la mañana) por canal 9 Libertad. El impresionante éxito de Thriller fue el principal motivo para la creación del programa, cuya esencia era mostrar los increíbles pasos de Jackson y los campeonatos de baile, más precisamente de Breakdance, todo presentando por Domingo vestido de smoking. Las competencias se realizaban en el canal o en alguna disco, el conductor se paraba frente a la cámara, daba los datos del participante (el mito asegura que Jazzy Mel compitió una vez, pero el que si lo hizo fue Caro, uno de sus bailarines) y ahí si, podíamos disfrutar de varios minutos de destreza física y agilidad.
Decíamos que un lustro pasó desde aquella nota de SQM, y casi 30 años de la emisión del ciclo, hasta que recientemente apareció este video. La verdad se le agradece a todos los que hicieron su trabajo para que este video llegue a todos en la web, pero hubiera estado mejor poner menos logo, menos marca de agua y demás, por que tratándose de un VHS la calidad de la imagen ya deja que desear. Además, de última, quienes deben recibir los méritos y elogios por su autoría son Canal 9 y quienes hicieron el programa, ¿no?.
Pero retomando, y para finalizar con esta larga introducción, los dejo con "el maestro" Di Núbila. Que presente él, que presente nomás a Maicol.

Soy el Scatman
Ski-Bi dibby dib yo da dub dub
Yo dab dub dub
B-B-B-Be Bop a Bodda Bop
Bop a Bodda Bop
Soy el Scatman
("Scateando" por Scatman John)
Todo el mundo tartamudea de un modo u otro
así que escuchá mi mensaje para vos.
de hecho no dejes que nada te detenga.
Si el Scatman puede hacerlo vos también podés.
Todo el mundo está diciendo que el Scatman tartamudea
pero no siempre tartamudea cuando canta.
pero lo que no saben es lo que voy a decir ahora mismo
que el tartamudeo y el scat son la misma cosa.
yo soy el Scatman.
¿Dónde está el Scatman? Soy el Scatman.
John Paul Larkin, 1994

La colección de "one hit wonders" no se detiene nunca. Día a día nace una nueva estrella que se apagará una vez pasado el furor de su hit. Scatman John es uno de ellos.
Nacido en California bajo el nombre de John Paul Larkin, desarrolló su carrera como pianista profesional de jazz y en 1986 lanza su primer álbum sin demasiado suceso.
Tras un "periodo oscuro" dominado por el alcoholismo y la drogadicción, Larkin se muda a Berlín en 1990 para continuar con su carrera musical. Siguió tocando como pianista de jazz en clubes por toda Alemania y ahí decidió cantar por primera vez, pero haciendo scat.
El scat es un tipo de improvisación vocal, generalmente con palabras y sílabas sin sentido, que se usa en el jazz. El scat da la posibilidad de cantar melodías y ritmos improvisados, convirtiendo a la voz en un instrumento más, como el "Ski-Bi dibby dib yo da dub dub" de la letra de arriba.
Volviendo a Larkin, tiempo después su asistente le sugirió combinar el scat con la música disco y el hip-hop, algo que a Larkin no le gustó (por que evidentemente tenía algo de sentido común), pero a la que BMG de Hamburgo le parecía una buena idea (recordemos que los alemanes también fueron los impulsores de Lou Bega y su "Mambo No. 5").
Y acá viene la parte que cambia todo, la revelación de que Larkin: era tartamudo!. Ese fue el verdadero motivo por el cual desde chico nunca cantó y la razón por la que solo hacia scat.
La cuestión es que cuando Larkin finalmente acepta hacer la esperpéntica fusión scat-disco-hip-hop, estaba preocupado por que temía que la gente se diera cuenta de que tartamudeaba, algo que lo traumaba desde chico.
Pero, por recomendación de su esposa hizo todo lo contrario y empezó a hablar de su problema en las canciones.
A la vez Larkin adoptó el nombre artístico de Scatman John y así graba en Alemania su primer single: "Scatman (Ski Ba Bop Ba Dop Bop)", una canción con la que pretende animar a los niños que sufren de tartamudez, y con la que en 1995 se convierte en una estrella mundial, logrando vender más de 6 millones de copias en todo el mundo.
Lo cierto es que, si bien en la letra (arriba traducida) deja muy en claro que tiene un problema en el habla, la mayoría de la gente desconoce el dato.
Poco después lanza el tema "Scatman's World", con el que vende 1 millón de copias, y posteriormente lanza su álbum debut (bajo el nombre de Scatman John) también llamado "Scatman's World", que vendió 3 millones de copias y batió el récord mundial como álbum vendido en el mayor número de países.
Tan solo un año después (por que se sabe que estas cosas duran poco), edita su segunda placa, "Everybody Jam!", que ni por asomo tuvo el éxito de "Scatman's World" pero con la que la pega muy fuerte en Japón. Incluso llegó a lanzarle en el país nipón "Scatultraman", un single en el que se aunaban Scatman y Ultraman, un popular superhéroe de la televisión japonesa.



El concepto "novedoso" del scat, mezclado con el disco y el hip-hop, dejó de serlo al repetirse. Ocurrió lo mismo que con otros tantísimos "one hit wonders" que reiteran la fórmula y al no renovarse el público pierde interés.
Igualmente en 1999 lanza su tercer y último trabajo, "Take Your Time", sin repercusión alguna, y a fines del mismo año fallece a causa de cáncer de pulmón.
John Larkin, en ese pequeño tramo de "gran éxito" y posterior "pequeño éxito" como Scatman John, recibió 14 discos de oro y 18 de platino por sus placas. Nada mal para un cantante "tartamudo".

Nuevamente llega el saludo navideño para todos los lectores de SQM de parte de Sam, personaje casi "exclusivo" de la página. Esta vez de la mano del tema "Christmas song" y del capítulo "Happy Christmas!" (del Sam On Channel 9), gran regalo para todos aquellos que aprendieron inglés con sus libros. Entre tanto, disfruten de la navidad con este tema. Una navidad al estilo Sam.

La historia te la cuentan día a día, y siempre te empaquetan la ilusión;
te sacas un pasaje, preparas tu equipaje, consigues una visa y al avión;
te espera cuando llegas otro idioma, un mundo indiferente y otro sol;
y sos un gran extraño adentro de un rebaño, gerente de pobrezas sin honor;

quedate chiquilín no vayas tan de prisa, quedate chiquilín tu tierra te precisa;
aquí esta tu casa, tu gente y tu dolor, ninguna golondrina se posa en una flor;
quedate chiquilín, charlemos como hermanos que todos los problemas lo arreglaran tus manos;
quedate chiquilin, aquí están tus amigos, quedate en tu país, te quiero conmigo

no quiero que la gente siempre diga que esta lleno de chantas el país;
que se trabaja en broma, y que se embroma enserio, que somos un gran pueblo sin raíz;
extrañaras tu casa, tus vecinos, serás un tocadiscos sin canción;
porque si canta Carlos el día que me quieras, te sentirás un niño sin amor;

quedate chiquilín no vayas tan de prisa, quedate chiquilín tu tierra te precisa;
aqui esta tu casa, tu gente y tu dolor, ninguna golondrina se posa en una flor;
quedate chiquilín, charlemos como hermanos que todos los problemas lo arreglaran tus manos;
quedate chiquilín, aquí están tus amigos, quedate en tu país, te quiero conmigo.

Corría el año 1990, aquel con el que titulara su disco debut Guillermo Vilas. Por entonces muchos jóvenes ya habían emigrado producto de la hiperinflación que afectó al país en 1989 y/o estaban emigrando buscando un futuro mejor en otro país, tal vez presintiendo lo que vendría tras las elecciones que dieron como ganador a Carlos Saúl Menem (aquel, entre otras "cositas", del juego "Super Menem ingresa al primer mundo").
En ese marco el Trío San Javier (al que ya nombráramos en el post del tema "Argentina es nuestro Hogar") crea la canción "Quedate Chiquilín" y se presenta en el XIX Festival Internacional OTI de la canción.
"Quedate Chiquilín" no obtiene la competencia (ganó "Un bolero" de México), pero posteriormente formó parte de una campaña del Banco de la Nación Argentina de 1990. Se trataba de una publicidad lanzada para fin de año en la que se mostraba a un joven que estaba por dejar el país, pero antes decide recorrer "su tierra", visitar a su familia, a sus amigos, a su novia y tras pasar por lugares como el estadio de River, decide quedarse en Argentina.
La campaña del Banco Nación se completaba con otra publicidad musicalizada con otro tema del que desconocemos el nombre, aunque sospechamos que también era del Trío San Javier, cuya letra decía "Qué pensara mi madre si yo no llego, para la noche buena y la navidad; Se llenarán sus ojos de agüita y miedo..." (si alguno sabe el nombre de la canción que por favor lo aclare en los comentarios).
En este comercial se veía a un hombre recorriendo campos a caballo, mientras en un rancho una madre cocinaba la cena y la familia preparaba todo para la navidad. El video terminaba cuando el gaucho volvía a su hogar, todos lo recibían emocionados y se escuchaba la frase final de la canción que decía: "y el nuevo año, será mejor!".
Sin lugar a dudas que de estos dos comerciales, el primero logró afianzarse mucho más en la memoria popular (sobre todo el nombre), gracias a excelentes frases como "ninguna golondrina se posa en una flor", "que se trabaja en broma, y que se embroma enserio", y "serás un tocadiscos sin canción".
Pero todo lo anterior es prácticamente la nada tras conocerte esto: Pedro Favini, alma mater del grupo, autor y compositor de más de 800 temas, y quien co-escribió "Quedate Chiquilín", fue productor de Clericó con Cola!!!
Así que con eso basta, y que no me vengan a hablar de "Será varón, será mujer" y esas giladas...

"Más raro que alemán negro de madre italiana y padre ugandés que canta mambo". Raro, pero es el caso de Lou Bega. Nacido en Múnich bajo el nombre de David Lubega, pasó parte de su infancia en Italia, Uganda, pero más que nada Alemania. Ya adolescente vivió en Miami durante años, en donde comenzó su carrera musical como rapero, pero más tarde descubrió la música latina y volcó su carrera hacia ese lado.
Posteriormente regresó a Munich (sumando un montón de millas acumuladas a su tarjeta de "viajero frecuente"), en donde se mostró como cantante de mambo y firmó contrato con un sello alemán.
Su primer single fue su gran éxito: "Mambo No. 5", cover del tema que en 1950 creara el cubano Dámaso Pérez Prado, un hit instantáneo en todo el mundo que alcanzó el número 1 en los rankings de la mayoría de los países de Europa y América.
En Francia, "Mambo No. 5" tuvo el dudoso honor (sobre todo para los músicos y oyentes franceses) de permanecer durante veinte semanas en el número 1, record hasta la fecha.
El 19 de julio de 1999 se lanzó el álbum "A Little Bit of Mambo". El suceso del tema ayudo a que el disco alcanzará el puesto 3 en ventas en Alemania, y obtuvo el primer lugar en las listas de lugares tan disímiles como Austria, Canadá, Finlandia, Hungría, el Oriente Medio, Portugal y Suiza, aunque en el Reino Unido el álbum alcanzó sólo el puesto 50. Otros temas del disco no lograron ni por cerca el boom de "Mambo No. 5".
Igualmente el éxito le permitió "al Lou" presentarse por acá nomás, en Buenos Aires, Río de Janeiro y Sao Paulo, pero también realizar una extensa gira por India, Tokio, Moscú, Hong Kong y Emiratos Árabes, y más de 200 conciertos en Europa (por lo que supongo que con las millas acumuladas en su tarjeta de "viajero frecuente" puede viajar gratis de por vida).
El segundo álbum de Bega, "Ladies and Gentlemen", fue lanzado en mayo de 2001. Entre sus canciones se encuentran "Baby Keep Smiling", a dúo con Compay Segundo, una versión de "Just a Gigolo / I Ain't Got Nobody", que popularizara David Lee Roth en 1985 pero que pertenece a Louis Prima (1956), y "Shit Happens" ("La mierda ocurre"), que con ese nombre uno no se explica como no fue un hit.
Los temas de esta placa apenas si se colaron en algún ranking, lo que le permitió seguir de gira y editar dos "grandes éxitos": "King of Mambo" (2002) y "Mambo Mambo - The Best of Lou Bega" (2004). Ya en 2005 lanzó "Lounatic", disco que contiene temazos como "Conchita", "Bachata", "Pussycat" y, como no podía ser de otra manera, un remix de "Mambo No. 5": "Return of "A Little Bit" (Mambo No. 2005)".
Este "trabajo" no tuvo repercusión alguna, aún así en la víspera del año nuevo en 2007 actuó frente a 170.000 fans en Polonia, donde se ve que les gusta la música horrible.
Tal vez esto último (que hay gente a la que le gusta la música horrible) motivó a Bega, quien tras tres años de preparativos editó a principios de 2010 un nuevo álbum llamado "Free Again", algo de lo que nadie se enteró, aún incluso cuando actualmente se encuentra de gira promocional.
Como dato anecdótico vale rescatar que "Mambo No. 5" pudo haber sido un éxito aún mayor, gracias al impulso que hubiera significado que fuera utilizada por Bill Clinton para hacer campaña. Como antecedente se encuentra el tema "Macarena" de Los del Río, canción que fue utilizada en 1996 como música de campaña electoral por el Partido Demócrata, obteniendo Bill Clinton la reelección como Presidente de Estados Unidos y convirtiendo al tema en un arrollador hit global.
"Mambo No. 5" hubiera tenido un recorrido similar, ya que fue seleccionada inicialmente como el tema de la Convención Nacional Democrática en 2000, pero la idea fue desechado debido a la posibilidad de que la gente asociara la frase "A little bit of Monica in my life" con el escándalo sexual en el se vio envuelto Clinton con la pasante Mónica Lewinsky.
Así, Lou Bega se podría haber retirado de la música (tal como hicieron Los del Río), pero debió seguir grabando y haciendo shows, aunque ya nadie lo recuerde. Pero mucho no debe importarle, total con las millas acumuladas en su tarjeta de "viajero frecuente" puede seguir de gira eternamente.

Tal vez no se trate de uno de los títulos más recordados, exitosos o que "marcó a una generación", pero "Los Cazamonstruos" es material digno de SQM, sobre todo por varios matices destacables que presentan tanto la trama del film como algunas cuestiones que lo rodean, por lo cual muchos lo consideran de culto.
La historia de "Transylvania 6-5000" (1985, se puede bajar en este sitio) se centra en dos periodistas que trabajan en una publicación sensacionalista "norteamericana" y son enviados a Transylvania para que investiguen sobre Frankenstein, tras la aparición de un video en el presuntamente se ve al monstruo.
Luego del viaje conocen al alcalde de la ciudad, que además es dueño del hotel donde se hospedan. Entre el personal del lugar se encuentra el "idiota del pueblo" y un matrimonio de tarambanas que se la pasan chocando.
Claro que la investigación no les resultará fácil, o no tanto, ya que el alcalde, el jefe de policía y el pueblo entero (que quieren cuidar "el buen nombre" del lugar) intentarán evitar que los periodistas lleguen a descubrir lo que realmente pasa en Transylvania: el director del manicomio local, el doctor Mavalaqua, se dedica a realizar extraños experimentos con sus pacientes. Y hasta aquí llegamos contando por que decir más sería revelar todo.
Viendo la reseña de la película queda claro que la misma le debe mucho a "El joven Frankenstein" (1974), obra maestra de Mel Brooks (quien justamente popularizó el concepto del "idiota del pueblo") y una de las mejores comedias de la historia.
Entre tanto, "Transylvania 6-5000" fue renombrada en Argentina, y probablemente en otros países de Latinoamérica, bajo el impresentable título de "Los Cazamonstruos", seguramente intentando aprovechar el furor de "Los Cazafantasmas", estrenada un año antes. Mientras, por ejemplo, en Italia se conoció como "Una noche en Transylvania" y en Brasil como "Transylvania, hotel al otro lado del mundo", la "mafia de los tituladores" volvió a hacer de las suyas por estos pagos, tema ya abarcado en los post de "Los Bicivoladores", "Invasión Junk", y cuyo máximo paradigma es "Retroceder nunca, rendirse jamás" y todas sus inexistentes continuaciones.
El guión y la dirección estuvieron a cargo de Rudy De Luca. Se trata del único film que dirigió para la pantalla grande, ya que realizó otros dos pero para TV. En cambio su carrera como guionista fue (es) mucho más prolífica, destacándose "Caveman" (1981, un bodrio protagonizado nada menos que por Ringo Starr), "Life Stinks" (1991) y "Drácula muerto pero feliz" (1995), en los que tuvo el honor de realizar el guión junto a su "homenajeado" Mel Brooks.
Además, entre el muy destacable elenco se encuentran en el rol de uno de los periodistas Jeff Goldblum (protagonista de "La Mosca" -1986- y "Jurassic Park" -1993-, entre tantísimas otras), el otro reportero está encarnado por Ed Begley ("Mujeres amazonas en la luna" -1987-, e invitado habitual a cuanta serie se les ocurra), en el papel de una "vampira" hiper escotada Geena Davis (de su carrera se destacan "Beetle Juice" -1988- y "Thelma & Louise" -1991-), como el "idiota del pueblo" Michael Richards (actuó en unas cuantas películas pero es mucho más conocido por su papel de Cosmo Kramer en "Seinfeld" 1990-98), el dr. Mavalaqua es interpretado por Joseph Bologna ("Una chica al rojo vivo" y "Échale la culpa a Río", ambas de 1984), y como el alcalde Jeffrey Jones ("Amadeus" -1984- y "Ed Wood" -1994-).
Cabe destacar que el título de la cinta está tomado del nombre de un corto animado de "Merrie Melodies" (se puede ver acá), dirigido por Chuck Jones y protagonizado por Bugs Bunny en 1963. El título es un juego de palabras con "Pennsylvania 6-5000", una canción popularizada por Glenn Miller, y relacionado con un antiguo sistema de numeración de teléfonos (en el film es el número del hotel). En este "dibujito" Bugs demuestra cómo controlar a un molesto vampiro con seis simples conjuros mágicos. Probablemente sea de lo mejor que hizo Jones, junto con "Inki y el pájaro Minah".
Volviendo al film de 1985, vale destacar que hay referencias y parodias a varias películas de terror entre las que se encuentran Drácula (1931), Frankenstein (1931), La momia (1932), El hombre lobo (1941), La criatura del lago negro (1954) y Godzilla (1954).
Tampoco estaría demás relacionar a esta cinta con "Los Matamonstruos en la mansión del terror" (1987), ya que este film fue estrenado un año después de "Los cazamonstruos" y además de la similitud en el nombre presenta semejanzas en la trama. En "Los Matamonstruos..." los integrantes de la Brigada Z, Emilio (Disi), Benito (Berugo Carámbula), Alberto (Fernández de Rosa) y Gino (Renni) son contratados para averiguar qué sucede en una mansión donde aparentemente habitan fantasmas y monstruos. De allí en adelante sucederán todo tipo de situaciones que hace 23 años (siendo niño) causaban gracias pero hoy en día apenas si arrancan alguna que otra mueca de sonrisa, por más que algunos consideren a toda la serie de la Brigada Z como "de culto".
Así las cosas, "Transylvania 6-5000" (o si prefieren "Los Cazamonstruos") es una interesante película para revisitar y todavía te arranca unas cuantas risas, cosa que otras comedias “de culto” no logran ni ahí. No todas resisten al paso del tiempo.

"Lucho y Tito, mecánicos del Enterprise" aparecieron en 1999 en el canal Uniseries de I-Sat pero rápidamente el ciclo pasó a llamarse "Lucho y Tito, mecánicos del Espacio". Emitido entre las 20 y las 2 de la mañana “cada hora a las menos cinco”, este micro contaba la historia de los argentinos Lucho (de celeste) y Tito (de naranja) quienes trabajaban en el sótano de la Entrerprise, la popular nave de Star Trek, lugar donde tenían su taller. Desde ahí se encargaban de reparar los desperfectos mecánicos de la nave obviamente "atando todo con alambre".
Javier Lombardo era Lucho y José Luis Oliver se "ponía en la piel" de Tito. Lombardo y Oliver se forjaron en el underground porteño, con actuaciones en El Parakultural (de donde salieron Capusotto, Casero y Alberti, entre otros). Incluso Oliver formó parte de "Delicatessen" en 1998 y Lombardo pasó por "De la Cabeza", lo que posteriormente se convertiría en "Cha cha cha", pero sus rostros se hicieron conocidos gracias a varias publicidades, sobre todo el de Lombardo (apareció en las de Telefónica de Argentina, Yerba Mate Boca Juniors, Banco de Boston y Mono Bingo, entre otras).
Empezaron a trabajar juntos en 1995 en el programa de América “Pinball” (ya analizado en SQM), con Leo Rosenwasser, Husni y la actual primera dama bonaerense Karina Rabolini. "Yo ahí entré con Marcelo Mazarello para unos fillers, diez segundos, antes del corte. Javier escribía los guiones. Después estuvimos juntos en “Naranja y media”. Ledo nos llevó al 9 y estuvimos en esa gran porquería que fue “Lo tuyo es mío” (con Cecilia Dopazo y compañía), y hacíamos de policías, laburábamos juntos, empezamos a jugar. Lo aprovechamos como una beca monetaria y como taller de improvisación, nos permitió conocernos, probar y disfrutar. Empezamos a tener onda y de ahí en más podemos laburar esto y muchas cosas más", cuenta Oliver.
De ahí saltaron a Lucho y Tito, e incluso terminaron escribiendo los guiones. "Son dos mecánicos, argentinos y chantas, en la nave de “Viaje a las estrellas”. Pero la única conexión es que hablamos del espacio y estamos vestidos como tipos de la serie, sin poder arreglar nada y gastando a todo el mundo", decía Lombardo.
Pero de a poco estos dos mecánicos de barrio fueron dejando de lado el arreglo de los desperfectos intergalácticos del transporte espacial para dedicarse a la música, aprovechando el tiempo libre en la nave para tocar temas de su autoría en versión acústica. Así fue como fueron agregando cada vez más canciones, muchas veces acompañados por un invitado que podía ir desde un extraterrestre, pasando por un grupo de Hare Krishnas, hasta Fabiana Cantilo. De allí salieron temas como "Se que me voy a morir/Gianola (video arriba), "Me importas Kirk" (letra abajo), "Falso Crup", "Tararira", "Asado Nacional", "Encomienda de chorizos" y "Examen (Racing)", con los que Lucho y Tito lograron una cantidad considerable de seguidores.

“Que se quede el infinito sin estrellas,
o que pierda su energía la Enterprise,
pero el negro de Uluma que no muera,
las orejas de Spok no crezcan más...

Me importa Kirk, y Kirk, y Kirk,
y nada más que Kirk...

Flor de jopo,
Flor de chongo,
¡Flor de turro,
el capitán Kirk!

Me importa Kirk, y Kirk, y Kirk,
y nada más que Kirk”

Así llegamos hasta el especial de Navidad de Lucho y Tito de una hora de duración. Poco después, tras alrededor de 40 "episodios" (varios pueden verse en youtube), el programa dejó de emitirse vaya uno a saber por qué. Lombardo y Oliver tenían por aquellos días la propuesta de realizar una sitcom en CableMatch, la señal que Marcelo Tinelli planeaba poner en el cable, pero el canal murió antes de nacer y el proyecto quedó en la nada.
Poco se sabe de José Luis Oliver tras Lucho y Tito. El único dato cierto es que en 2000 realizó el unipersonal teatral "El Místico" y posteriormente volvió a los comerciales. En cambio Javier Lombardo continuó con las publicidades y mantiene una prolífica carrera tanto en cine como en TV y en teatro, escribiendo incluso varias obras. En televisión pasó por "Durmiendo con mi jefe" (2003), "Padre Coraje" (2004), "Doble vida" y "El capo" (2007), entre otros. En cine actuó en "Papá es un ídolo" (2000), "El descanso" (2002), "Un día en el paraíso" (2003), "Dolores de casada" (2004), "El favor" (2004), "Abrígate" (2006) y "Uno" (2009), aunque claramente su actuación más recordada es la de "Historias mínimas" (2002).
"La televisión es ingrata, porque es una picadora de carne. Ahora necesita un respiro, y le dan cabida a cosas nuevas, porque está hecha bosta, entonces hay una camada de gente que le da el aire que necesita, pero te exprime lo más que puede y después te descarta, porque llega siempre a la saturación. Y no te deja volar mucho. No es justamente nuestro caso, porque el cable tiene otros parámetros, por suerte", afirmaba en aquel momento Oliver. Lamentablemente, a más de 10 años, las cosas siguen igual en la TV argentina aunque, de nuevo lamentablemente, Oliver se equivoca: ni ellos ni el cable pudieron escapar a la lógica televisiva de la picadora de carne.

Al fin, la segunda parte de la entrevista a Darío Moscatelli, el líder de The Sacados. Y para empezar un lujo, un verdadero inconseguible “donado” a SQM por Darío: "Surge Un Mundo Nuevo", aquel tema italo house del que hablaba en la primera parte de la nota.



Ahora sí, vamos con la segunda parte nomás.
¿Es verdad que en un principio las coristas no eran tales sino que solo hacían la mímica?
En realidad, el primer disco estuvo casi terminado antes de que llegaran Gladys y Analía, así que su participación fue casi nula. En los shows, la mayoría de de los coros estaban grabados o estaban apoyados por Ale y Gustavo (al parecer hubo otros tantos casos en la discográfica donde quien canta en el disco no es quien aparece en la imagen).

Compartieron grupo con Gustavo (Machito Ponce) y después fuiste su productor, ¿qué temas escribieron juntos?.
Con Gustavo escribimos muchos temas. Entre los mas conocidos: Más de lo que te Imaginas, Samantha, Paren de Venir, Póntelo, A mi chica le gustan las de miedo, House 'n Roll, y varios mas.

¿Cómo les fue en Latinoamérica?
En Latinoamérica nos fue mucho mejor que en Argentina. En Chile hicimos giras de más de 50 shows. En México, hicimos cientos de presentaciones, al punto que en 1998 directamente nos fuimos a vivir allá y firmamos con la BMG de México, porque era más cómodo tener la base ahí que andar yendo y viniendo. También tuvimos gran éxito en USA, hicimos tres giras por todo el país, desde Washington hasta Los Ángeles.
Otros países donde tocamos: Perú, Colombia Venezuela, Ecuador, Costa Rica, El Salvador. Paraguay, Bolivia, Uruguay.

¿"Más de lo que te imaginas" está "basado en una historia real"?
No. Bueno... creo que no!. A mi se me ocurrió la frase "Mas de lo que te imaginas, me estoy portando mal y me fascina". Pero tenía mis dudas porque sentía que las palabras se amontonaban y no se iba a entender la idea. Pero a Gustavo le pareció bien, y a partir de ese estribillo fuimos elaborando toda la historia de ese pobre muchacho.

¿Por que en su momento el grupo se separó?
El grupo se separó cuando decidimos con mi esposa Cynthia venirnos a vivir a Miami. Pensé que era mejor dejar al grupo antes de que el grupo me dejara a mi y pasar por una decadencia sin fin. Cuando vinimos para acá, me dediqué de lleno a la producción.

¿Como se dio el regreso?, ¿es una nueva formación?
El regreso se dio mas que nada por la gente que cada vez y con más insistencia me pedía que vuelva. También influyó la cantidad de propuestas de shows que se acumulaban en mi facebook o myspace. Ahí pensé que tal vez estaría bueno hacer algo al respecto.
En esta etapa, el único fijo soy yo. Después tengo un grupo de apoyo que va rotando, pero la diferencia con la época anterior es que todo esta mas centrado en mi.

¿Cómo ves el fenómeno de las bandas y solistas que retornan?, ¿el público que te escucha hoy en día es el mismo de los 90 o se renovó?
El público es el de aquel entonces en su mayoría, definitivamente. Alguien de ahora te puede escuchar, pero no va a sentir lo mismo. El público de los 90s viene por algo mas que la música, quiere el valor agregado de la nostalgia, compartir algo que nos une.
El fenómeno de los que retornan es muy interesante. Hay música muy buena hoy día, pero los jóvenes de ayer no quieren saber nada de eso!

"Superéxitos" tiene nuevas versiones de los éxitos y tres nuevas canciones, ¿la idea es sacar otro disco completamente nuevo?, ¿cuál es la apuesta a futuro de The Sacados?
No hay planes de disco nuevo por ahora. La gente quiere escuchar Ritmo de la Noche, Mas de lo Que te Imaginas o La Primavera. No les interesa lo nuevo. O si les interesa, no les pega del mismo modo que aquellas canciones. Me gusta hacer los temas nuevos, pero no soy necio y sé por dónde viene la cosa.

¿A qué te dedicas en la actualidad?, ¿seguís ligado a la música?.
Actualmente me dedico a producir y componer para otros artistas. He trabajado en los tres últimos discos de Ricardo Montaner, y ahora estoy haciendo arreglos para su nuevo show. He compuesto para Alexandre Pires (la canción "Ámame"). También compuse y produje para RBD, Belinda, Luciano Pereyra, Azúcar Moreno, Noelia, El Puma Rodríguez y muchos otros que no son conocidos en Argentina.

En la nota que le hicimos a Jazzy Mel decíamos que "recordemos que en 1991, año del furor del rap en el país, muchos desacreditaban a Jazzy Mel pero a la vez tenían el placer culpable de improvisaban algunos pasos de hip hop al escuchar sus temas, mientras otros tantos que se vestían como raperos hoy reniegan de su pasado". ¿Crees que algo de eso pasa también con The Sacados?
Puede ser. Lo que veo distinto en The Sacados es que enseguida tuvimos éxito en Latinoamérica y eso nos hizo despegar de ese karma. En México la gente no ve lo del "placer culpable" ni reniegan de su pasado, por así decirlo. Lo disfrutaban a full antes y ahora. En Argentina no he vuelto a tocar desde hace quince años. Así que no he sentido eso. Veremos que pasa a principios de agosto, cuando vuelva a Buenos Aires a tocar en la Bizarren.

The Sacados se formó en 1990 y tenía inicialmente como caras visibles a Darío Moscatelli (voz), Analía Galloso y Gladys Escudero (coros). Aunque en realidad podría decirse que se trataba del proyecto casi unipersonal de Darío, a quien entrevistamos para que nos cuente más sobre esta banda tan emblemática de los noventa. Sin lugar a dudas un interesante repaso por la historia desconocida de un grupo que legó hits como "Ritmo de la noche", "La Primavera", "A mi chica le gustan las de miedo", "House'n'Roll" y "Más de lo que te imaginas", entre otros.

¿Como comenzó tu carrera en la música?
En mi adolescencia, yo era mas un fan de la música que otra cosa. Había escrito algunas canciones con la guitarra, pero nunca nada que trascendiera más allá de un cassette.
Con Ale y Nico Guerrieri nos conocíamos de años, habíamos participado juntos en algunos proyectos de video. Ellos ya hacían música, aunque no en modo profesional, y tenían un estudio casero. En un momento armaron un tema tipo italo house (eran los 90s) con un sample que incluía la voz del presidente Carlos Saúl y que estaba muy bueno (el tema se llamaba "Surge Un Mundo Nuevo" y contenía un diálogo extraído del programa Tiempo Nuevo). Justo surgió en la radio Z95 un concurso de demos y les dije que había que llevar eso inmediatamente.
El director artístico de la radio, Bernardo Bergeret, apenas escuchó el tema pidió una reunión. En esa reunión, ni bien entramos Bernardo nos dijo que el tema le parecía espectacular y sin anestesia nos ofreció firmar un contrato discográfico para producir música para su sello. Y así fue, a la semana estábamos metidos en el estudio Panda, trabajando en el disco de Vilas.
Cuando digo estábamos, quiero aclarar que los Guerrieri llevaban la voz cantante, yo miraba y aprendía. Aunque era la primera vez que todos nosotros estábamos en un estudio "en serio", yo era el mas verde de todos, sin discusión.

¿Trabajaste en los discos de otros artistas de la discográfica?
Sí, más adelante trabajé ya solo en los discos de Machito Ponce como compositor y productor. También participé en cds de Twiggy, Seducidas y Abandonadas, El Lupe y la Macarena y muchísimos otros que no fueron tan conocidos. En esa época, me especialicé en hacer covers de temas que venían de afuera. Habré hecho como cincuenta de esos temas... el concepto Machito Ponce nació de uno de esos covers.

Participaste en el arreglo de un par de temas del primer disco de Guillermo Vilas, ¿qué anécdotas recordás de dicha "experiencia" (en todos sentido)?
Conocer a Vilas ya fue toda una experiencia. Fue mi primer contacto con una leyenda. Era muy fuerte estar cerca de alguien tan querido por todo el mundo. Siempre fue muy agradable con nosotros. Lo que me viene a la mente ahora son la cantidad increíble de teclados, micrófonos y equipos que tenía, desde los mas preciados análogos, como el Minimoog, hasta los teclados mas modernos para la época. Los Guerrieris hicieron un par de arreglos para el disco de Vilas, que ya estaba casi terminado.

¿Como se formó The Sacados?
Después del disco de Vilas, comenzamos a hacer temas sueltos para compilados como "La Batalla de los DJs".
Yo le llevé a Bernardo un tema que siempre me había gustado, una canción absurda de Los Inhumanos, que pasaban en la Rock and Pop. Le dije que me parecía que se podía hacer una versión house divertida de ese tema. La canción se llamaba Manué y lo único que decía la letra era "Manué, no se arrime a la paré que se va a llenar de cal".
Bueno, los Guerrieris armaron el arreglo, pero al momento de poner la voz, nadie quería hacerlo, yo creo que porque el tema era bastante ridículo. Entonces me ofrecí a cantarlo yo... el caso es que cuando llegó el momento de ponerlo en un compilado, había que bautizar al intérprete. A alguien de la oficina se le ocurrió ponerle Los Sacados. Bernardo dijo que THE Sacados quedaba más exótico. Y así salio el primer tema, que lo pasaron bastante por la Z en aquellos días.
Luego siguieron los compilados, y de vez en cuando volvían The Sacados al disco, siempre con mis vocals, más que nada por costumbre. Pero no había imagen ni nada. Después de unos meses, se decidió juntar todo lo grabado, hacer unos cuantos temas más y editar un disco completo de The Sacados. Justo en ese momento, apareció Ritmo de la Noche, un tema que estaba matando en Europa. Lo agarramos al vuelo, le agregamos el rap con Gustavo (más conocido como Machito Ponce) y ahí se aceleró todo para sacar el disco enseguida. Porque todo el que escuchaba la canción quedaba muy impactado. Era bastante evidente que teníamos un hit potencial, pese a que yo ODIABA la canción.

¿Por qué odiabas Ritmo de la Noche?, ¿con el paso del tiempo el odio aumentó o se fue aplacando?
En principio la odiaba porque no la entendía. Pensaba "¿qué es esto?, ¿un pianito y un coro? Esto no es nada!". De hecho, la parte del rap habla de eso. No es una letra feliz o pum para arriba... "el ritmo de la noche es siempre lo mismo, me tiene repodrido, me persigue, me marea..."
Recuerdo un día que estábamos en el estudio con Bernardo. Le dije que no me gustaba, y le pregunté qué le parecía a él. Me miró sorprendido y me dijo "Es la canción más comercial que escuché en mi vida!".
Inevitablemente, con el tiempo le tomé cariño y hoy día me doy cuenta de que está muy bien! Es alegre hasta lo imposible, simple, directa... el sueño de cualquiera que escriba canciones.

Hasta acá la primera parte de la entrevista, en breve la conclusión de la misma. Entretanto un video de "Ritmo de la noche" con imagenes de shows en Mexico, Costa Rica y El Salvador (1992). A bailar al ritmo, al ritmo de la noche!

Ahora sí: la segunda parte del reportaje que le hicimos en exclusiva al Chelo Delgado en el que nos cuenta sobre la historia de la Zimbabwe, su carrera y el futuro próximo.

¿Por qué en 1999 la banda vuelve a separarse?
A partir de mediados del año '97 y luego de tanta exposición, shows, fotos, notas, giras y vorágine alrededor, comencé a transitar una etapa bastante particular de mi vida personal, la cuál se vio reflejada en tanto en mis canciones cómo en mi actitud frente a la vida .Tuve la necesidad de recluirme a componer, de aislarme casi al punto del ostracismo para buscar espacios y lugares más internos y profundos de reflexión y de composición. Todo esto arrojó por resultado una serie de canciones que en principio no fueron bien tomadas ni comprendidas en su esencia por la mayoría de los músicos de la banda, excepto por el Mono Morello. La banda entonces entró en un desconcierto generalizado y en un re-acomodamiento de las prioridades individuales que dio por resultado la separación final de Zimbabwe, los primeros días de Enero del '99.

Después de otros proyectos ahora volvés con Chelo Zimbabwe & The Groove Factory. ¿Como se dio esta vuelta?
Luego de más de un año de estadía en México (Agosto 2003- Noviembre 2004), regreso a Buenos Aires con un nuevo proyecto bajo el brazo: La idea era grabar otro disco intentando volver a las raíces del reggae a través de una serie de canciones de amor que había compuesto durante los últimos 5 años. Logré hacerlo a través del sello GLD y bajo el nombre artístico de una nueva banda: María Mulata. Así nació: "Cuestión de Amor"(GLD, 2006), que contó con la impecable co-producción de Tito Losavio y la participación de muchos y talentosísimos músicos amigos. Lamentablemente fueron muy pocos los que se enteraron de este trabajo gracias a la escasa o nula difusión que le otorgó el sello al disco y a las incontables desavenencias que tuve con mi personal manager de ese momento. De las muchas y diferentes formaciones que tuvo esta banda, surgió un día Gonzalo Vítola, guitarrista que además resultó ser un excelente vendedor de shows y a la vez road manager. Así se terminó de afianzar el combo actual, con el que venimos trabajando desde hace tres años casi sin parar por todo el país e inclusive con algunas salidas al exterior. Respecto al nombre, decidí re-adoptar mi parte de Zimbabwe ya que el público en general nunca dejó de asociarme con aquella banda y con aquellos temas.

¿Por ahora solo presentaciones o estás pensando en un nuevo disco?
Además de los shows que venimos realizando, estamos preparando un nuevo disco. Comenzamos con la pre-producción en Julio de 2009 y aún estamos en ese proceso, aunque ya en instancias finales. La idea es tener todo terminado para fines de Julio de 2010, si bien a fines del año pasado ya habíamos realizado un pequeño adelanto de tres temas a través de un EP de difusión, que son justamente los temas que hoy están en nuestro MySpace.

¿Cómo ves el fenómeno de las bandas y solistas que retornan?, ¿el público que te escucha hoy en día es el mismo de los 90 o se renovó?
Me parece bueno que las bandas que sientan ganas de volver lo hagan, ya que en la mayoría de los casos también hay detrás un público que espera que así sea. Nostálgico o no, me parece saludable el hecho de satisfacer ese irrefrenable deseo interno por parte del músico y por otro lado, saciar la avidez de verlos en escena y escuchar sus discos por parte del público que los añora. En el caso mío, confieso que me encuentro todo el tiempo en los shows, en la calle, en facebook, o dónde sea con gente que me cuenta que me sigue desde el primer disco del '88 y que inclusive tiene mi disco solista o que le encanta "Cuestión de Amor", también con otra gente que recién se enganchó con la banda a partir de Cuestión de Honor porque conoció a la banda por Traición, Loco o Verano, y también con chicos de 20, 18 ó 15 años que conocen lo anterior y les encanta lo nuevo. Es más, mi hijita de 6 años con sus compañeritas en el colegio cantan mis temas nuevos y los viejos también!!.

Muchos géneros musicales en su principio fueron vistos como "muy foráneos" o poco ligados al país. Mucha de esa música, y su cultura, se fueron incorporando a la argentina. ¿A qué crees que se debe el auge actual del reggae en el país?
Yo creo que el auge actual del reggae y la difusión de la cultura Rasta en general, se debe a las bandas. O los solistas, en el caso que corresponda. La calidad artística, el trabajo de hormiga y la constancia de muchos de los que fueron apareciendo en la escena reggae nacional, hicieron que esta movida rastafari se convirtiera cada vez más en algo más fuerte y sólido. Con el tiempo es cómo si ese ritmo sostenido y cadencioso del chaka /chaka de la guitarra, o el pulso hipnótico del bajo y la batería, sumado al mensaje casi siempre pacifista, aunque a veces combativo, y muchas otras veces romántico de sus letras hubiesen cautivado poco a poco el inconsciente colectivo de la gente y fueron ganando espacio en los corazones de todos. Por esto me atrevería a decir que el reggae es ya, en la Argentina de hoy, además de un muy serio exponente de nuestra música con un perfil cultural propio, es por sobre todas las cosas un sentimiento, una pasión, una forma de vida, todo esto generado por un movimiento mundial nacido en las entrañas de Jamaica y que afortunadamente llegó nuestras costas para quedarse, echando raíces duraderas. Por eso, agradezco siempre al cielo el haber podido ser parte de aquella primera siembra de semillas de reggae sobre esta tierra tan bendita y fértil....

Más de tres años pasaron de aquella nota sobre La Zimbabwe Reggae Band, grupo que se separó a fines de los 80 y que su cantante, Marcelo "chelo" Delgado, rearmó pocos años después bajo el nombre de "La Zimbabwe", la cual llegó al público masivo gracias a temas como "Traición a la mexicana" y "Loco de atar. En exclusiva, un reportaje al Chelo Delgado en el que nos cuenta sobre la historia de la Zimbabwe, su carrera y el futuro próximo. La semana que viene la segunda parte de la nota.

Junto con un par de bandas más se puede considerar a La Zimbabwe Reggae Band como pioneros del Reggae nacional. ¿Como llega un grupo de jóvenes argentinos de comienzos de los 80 a tocar reggae?
El embrión mas remoto de toda esta historia fué Fondue ('84-'85), que luego fué Fondue Reggae Band, una banda de garage de zona norte que hacía covers de Rock & Pop nacional formada originalmente por Afo Verde (teclados), Román Campoy (saxo) y Shermann (Bajo). Luego entré yo en guitarra y voz y pasaron algunos bateros hasta que entró Dário Ungaro. Allí también se sumó Raúl Márquez en percusión. Tocamos con algunos cambios hasta casi fines del '86 hasta que se dió por terminada aquella reggae band.
Comenzado ya el '87 me volví a juntar con Dário, Raúl, un guitarrista llamado Alan Huges y algunos bajistas eventuales. Así participamos en Mayo del '87 por primera vez de zapada en las Fiestas Reggae en Homenaje a Bob Marley, que se hicieron en el Parkultural. Tuvo tan buena repercusión lo nuestro, que nos volvieron a invitar al Parakultural en Agosto de ese año, en ocasión de otra "fiesta reggae". Así fué cómo esa noche nos juntamos sobre el escenario: Dário Ungaro, Cano, Raúl, Ioshi Senna, Afo (quien reaparecía después de un largo distanciamiento) junto a Beno y Sebas Schachtel, que venían de Clap, y yo. También hubo invitados cómo Sergei (Trompeta) y Tito Fargo (Guitarra). Esa fué la primera vez que nos presentamos públicamente cómo La Zimbabwe Reggae Band.

¿Por que tras sacar su segundo disco (Caminando en el fuego, 1989) la banda se separa?
Al contrario del primero, Caminando en el Fuego fue un disco muy trabajado, muy pre-producido, con muchísimos arreglos, bastante fusionado, demasido cerebral quizás y eso, supongo, le quitó frescura al resultado final y no obtuvo la repercusión esperada. También ya se venían empezando a notar internamente las famosas diferencias musicales de las bandas. Afo, Beno, Sebas y Cano buscaban algo más World Music, muy influidos por Peter Gabriel (p/ej.), mientras Dário y yo nos sentíamos mucho más cercanos a UB40 sobretodo, o también Black Uhuru, Steelpulse, Third World o Aswad.
Pero si bien esto iba abriendo cierta brecha interna, el factor detonante fué otro. En definitiva se trató de ciertas concesiones y tiempos que yo le pedí a la banda a raíz de una situación personal muy difícil por la que yo atravesaba en ese momento, la cual no podría superar de ningún modo sin realizar algunas otras labores paralelas. Esta circunstancia tan particular, según la visión de algunos integrantes, se superponía a los intereses de la banda, así que, forzado ante la disyuntiva de tener que decidir, no me quedó más alternativa que dar un paso al costado y dejar el timón en manos de Afo, tanto en lo operativo cómo en lo compositivo e inclusive cómo cantante. La banda siguió sin mucho rumbo poco tiempo más, hasta que los cinco que quedaron decidieron disolverla.

¿Por que decidiste rearmar la banda en 1993?
Poco tiempo después de mi separación, armé dos proyectos con demos. El primero se llamó "Al Kuwait"('90), con una onda de sonidos más "tecno" o "house-reggae" por llamarle de algún modo. Y el segundo , que se llamó "Matador"('91), y alcanzó formato de banda. La base de los temas seguía siendo reggae pero intentábamos imprimirle una gran dosis de sonido Manchester, inspirados en bandas cómo EMF, Stone Roses, Happy Mondays, Jesus Jones, etc. Grabamos un demo en Panda, tocamos un par de veces en vivo y a fines del '91 nos separamos.
Me fuí a Chile en el '92 y '93 y estuve componiendo mucho durante ese tiempo. Me gustaba lo que escuchaba y también en toda la gente a la que le mostraba los temas notaba buena aceptación. Por otro lado sentía que aún tenía muchas cosas por dar y por decir en el mundo del reggae, y que quería continuar la historia trunca de La Zimbabwe, pero esta vez a mi modo, llevando a cabo mis propias ideas. Demeé todos los temas que pude de forma casera y al tiempo me volví a Bs. As. a fines del '93 con el demo de "Cuestión de Honor" bajo el brazo. Allí me junté con Dário nuevamente y comenzamos la pre-producción de aquél disco, junto a Pablo Guyot y los demás integrantes que se fueron sumando de a poco a lo que fué la segunda formación de la banda.

Los primeros discos se acercaban al reggae y tenían letras ligadas al rastafarismo. ¿Por qué se da un cambio en el estilo musical del grupo?
En el primer disco compuse sin filtro. Es decir, yo no contaba aún con una personalidad o un estilo compositivo demasiado formado o desarrollado en ese género. Componía en forma muy directa de acuerdo a lo que escuchaba y trataba de recomponerlo y reproducirlo. Esta referencia inmediata se basaba 100% en bandas y solistas que hablaban de rastafarismo principalmente (Bob Marley, Peter Tosh, Steelpulse, Israel Vibration, etc.), y temas más románticos en otros casos (Gregory Isaacs, Alton Ellis, Bob Andy, UB40, etc.). Tampoco existía una cultura rasta nacional cómo hoy en día, ni demasiada información al respecto.
Simplemente creo que tomé los elementos que el reggae me ofrecía y los acomodé o presenté de manera instintiva, casi primaria, cómo mejor me pareció en ese momento. Con el tiempo empecé a escribir letras en castellano y también fuí encontrando él o los lugares desde dónde me siento más cómodo cómo compositor.

¿Ese es el motivo por el cual le acortaron el nombre y empezaron a llamarse "La Zimbabwe"?
El agregado de Reggae Band lo hacía muy largo y justamente uno de los puntos basales de aquél regreso era lo esencial, el núcleo, la síntesis.

"Cuestión de honor" (1995) vendió 150.000 copias apoyados en el hit "Traición a la mexicana" y "Loco de atar". ¿Por qué crees que estos temas "la pegaron" en vez de otros?.

Supongo que tenían la dosis necesaria de originalidad y fuerza cómo para sorprender, al menos.
Le sumaría a esto una gran cuota de realismo con el que la gente se identificó y también la sincronicidad de un rayo: dar justo en el momento y en lugar exacto produciendo un resultado final = x.

¿Como te llevás con Afo Verde?, ¿volviste a trabajar con él después de La Zimbabwe Reggae Band?
Mi relación con Afo hoy es nula, cero, parte del pasado. Si bien la relación durante su vida útil pasó por distintos estados hicimos un último intento de acercamiento para trabajar juntos en mi disco solista (Noches Alegres, BMG, 2001), pero la química otra vez no funcionó. A todo esto habrá que sumarle el default que sufrió el país a fines del 2001, y que terminó arrojando por el suelo muchos otros proyectos junto con el mío. Me devolvieron el contrato recién en Julio de 2003.

Vaya uno a saber porqué varios artistas italianos que cantan en castellano, desde Nicola di Bari a Eros Ramazzotti, han tenido éxito en el país. El caso de Nek parece ser uno más, aunque que haya logrado un éxito tras varios años de carrera y no haya vuelto a repetirlo, no deja de resultar extraño.
Filippo Neviani, más conocido por su nombre artístico de Nek, tras formar parte del grupo White Lady lanzó su primer álbum como solista en 1992. Un año después debutó en el Festival de la Canción de San Remo con una canción controvertida que hablaba del aborto, "En ti (el hijo que no deseas)", con la que logró meterse en los rankings de su país. Hasta ese momento era solo un fenómeno local, pero eso cambiaría 5 años después. Entretanto, editó dos discos más: "In te" (1993) y "Calore umano" (1994).

Pero en 1997 participa nuevamente en el Festival de San Remo y, si bien no gana, su tema "Laura non c'è" (Laura no está) se vuelve rápidamente un hit en Italia. La canción la incluye en el disco "Lei, gli amici e tutto il resto" y el éxito es tal que trasciende fronteras, por eso mismo edita poco después "Nek", placa en español que incluye algunos temas de "Lei…", obviamente, encabezados por "Laura no está". A partir de ahí cada disco que saque lo editara tanto en italiano como en español. También, ya que estaba, sale "Laura is away", adaptación de "Laura non c'è" en inglés.

Por otra parte no puede dejar de resaltarse el parecido, que pareciera "buscado", con el timbre de voz de Sting y, sobre todo en la versión en español, la forma de pronunciar.
El álbum vende solamente en Italia alrededor de 600.000 copias, obteniendo 6 discos de platino, y discos de oro en otros países europeos, mientras que su disco en castellano resulta un éxito de ventas tanto en México, como centro y sudamérica. En castellano llega a sonar otro tema del mismo trabajo, Tu nombre, pero solo por "efecto arrastre".
Un año después sale al mercado la placa "In due" (la versión en español se llamó "Entre tú y yo"), que tuvo cierto éxito en Europa, y además realiza una gira por Latinoamérica, en la cual visita Argentina. Y de esta manera se acaba su éxito internacional.
En el año 2000, edita "La vida es", en el que graba el tema que da nombre al disco con la participación del horrible grupo Eiffel 65.
Más tarde, en 2002, cantó a dueto en "Sei solo tu" (Tan solo tú) con su compatriota Laura Pausini, interprete que también cuenta con un inexplicable suceso en nuestro país.
Ese mismo año lanza "Le cose da difendere" ("Las cosas que defenderé", en español), en 2005 Una parte di me ("Una parte de mí", en español), en 2006 "Nella stanza 26" ("En el cuarto 26") y el año pasado "Un'altra direzione" (Nuevas direcciones"), todos sin que absolutamente nadie se enterara, por lo menos fuera de Italia.
Pero la discografía de Nek además cuenta, no con uno, sino con tres discos recopilatorios. "The best of Nek - L'anno zero" (2004), la correspondiente versión en español llamada "Lo mejor de Nek - El año cero"), y "Esencial" (2006), disco que tranquilamente podría incluir un solo tema, pero no: tiene 13.
Como si no alcanzara con sus múltiples versiones de "Laura no está", también existen las de otros intérpretes. El dominicano Fernando Villalona realizó un versión bachata del tema en español, el griego Nektarios Sfyrakis la grabó en su idioma ("Skepsou Kala"), y Oliver Lukas grabó "Laura ist for", versión en alemán de la canción.
Pero no solo otros músicos han comido de "Laura no está", ya que Pablo Granados se debe haber comprado un departamento en Miami con lo que robó en Videomatch haciendo un "baile loco" con el tema en "Los más crotos", la parodia de "Los Más Más".
Esta es la historia de Nek y de su tema, historia que al parecer no tiene fin ya que últimamente ha tenido éxito en Francia, gracias a la versión "italo-francesa" de Laura non c'è que grabó a dueto con Céréna. Y todavía quedan tantos idiomas para hacer versiones...

Después de aquella vieja nota de La isla de los Wittys en 2006, unos cuantos nostálgicos que miraban el programa llegaron a SQM buscando "lo que sea" sobre el ciclo. Poco había en aquel entonces, recién hoy en día se encuentra un poco más y basta con mirar los comentarios de la nota o buscar en internet para darse cuenta que los que lo mirábamos éramos muchos.
Así nuevamente realizamos una entrevista en busca de conocer un poco más, en este caso, sobre este programa. No, no fue a uno de los Wittys, sino a la conductora del programa, Alejandra Gavilanes.

Te hiciste conocida con La isla de los Wittys. ¿Ya habías trabajado en otros programas?
Había estado trabajando en Cablín, allí comencé a sentir lo que era ser algo conocida pero con los Wittys la sensación se expandió. Antes que eso hice teatro para niños junto al grupo "La Galera Encantada", dirigida por Héctor Presa.

¿Como llegás a conducir La isla de los Wittys?
Me vieron en Cablín y me llamaron por teléfono, primero me dijeron que no, porque era un poco grande, tenia en aquel momento 28 años, luego hablando personalmente con ellos cambiaron el no por el si, así fue que comenzó todo en el año 1990 y duró dos años.

Iba por Canal 13, primero a las 18 hs (clásico horario después del colegio), pero después pasó a las 11 de la mañana, con lo que los niños que madrugaban para ir a la escuela se lo perdían. ¿Por qué el cambio de horario?, ¿no crees que esto hizo que perdieran audiencia?
Cuando un proyecto se hace grande es difícil sostener todo tipo de complicaciones que aparecen, supongo que el cambio de horario fue una de las tantos problemas a enfrentar.

¿Había invitados al programa?
Hubo épocas con famosos invitados y también tribunas llenas de colegios y público en vivo mientras hacíamos el programa.

Los Wittys no tenían brazos pero para la segunda temporada se los agregaron, ¿sabés por qué motivo?
Creo que por pedido de la gente.

Se editaron cuatro discos del programa, salieron algunos videos y se hicieron obras de teatro. ¿Qué rescatás sobre esas experiencias?
Anécdota del teatro: Hacíamos tres funciones diarias en vacaciones de invierno, cada función con mucho movimiento y baile, entre todos nos ayudábamos para darles aire por una apertura que tenían entre los ojos de los muñecos a los compañeros que trabajaban dentro y que por ratos largos no tenían tiempo de salir, luego en el saludo de la tercer función cuando cerraban el telón nos tirábamos en el piso del agotamiento y nos reíamos pensando que el telón se podría volver a abrir.

No se si viste la cantidad de comentarios que hay en internet sobre el programa e incluso hay algunos grupos de facebook. ¿Por qué crees que tantos rescatan al programa?
Los recuerdos para muchas personas son importantes y sobre todo si refieren a la época de la infancia.

En su momento se hicieron un par de intentos para volver a realizar otros programas de los 80/90, ¿crees que podría hacerse una nueva versión de La Isla de los Wittys?
¿Una nueva versión?, no lo sé, otras cosas tienen lugar ahora, lo lindo es ver como todo cambia, aquello sucedió hace ya 20 años. Pero gracias por todo, por el grupo formado en facebook, besos para todos!!!

Ya pasaron cuatro años de aquella nota en la que preguntábamos: ¿cuanto figura en Internet sobre esta banda?. Respuesta: absolutamente nada. Seguramente muchos no la recordaban, e incluso es probable que tras leer la nota tampoco ubicaran bien de que grupo se trataba. Pero hoy, tras casi un lustro, le hicimos una entrevista a Agustín González, ex guitarrista "Herederos del Rock and Roll", para que nos cuente sobre aquella banda compuesta por chicos de entre 9 y 13 años que lograron cierto reconocimiento mediático a partir de su talento. Pibes que terminaron tocando con Charly García, los Ratones y Calamaro. Pero eso viene después, primero empecemos por el surgimiento de la banda:

"Star fire" se formó en 1990. Empezamos con Ciro Botta, los dos en guitarras. Salimos a tocar durante 6 meses, hacíamos covers de rock nacional muy básicos, tres tonos y ya!. Al poco tiempo se integró Cristian "pety" Sedeño en el bajo y después Damián "chirola" Barreiro en batería. Para la edad que teníamos sonábamos muy bien y éramos una banda armada por nosotros, no por ningún productor ni por nadie, solo cuatro pibitos que tenían ganas de hacer rock.

¿Como llegan a la TV?, ¿por qué cambiaron el nombre?
En el 1992 creo fue el primer programa de tele, lo consiguió uno de nuestros viejos, fue "El agujerito sin fin". Ese mismo día nos llamaron a mi casa del canal diciendo que Edgardo More quería conocernos y manejar a la banda, en ese momento era manager de Ratones Paranoicos y comenzó a manejar los hilos de Star Fire también, entre él y nosotros cambiamos el nombre a "Herederos del rock and roll". Después nos presentamos en Ritmo de la noche, 360º, Hola Susana, Feliz Domingo, Mirá quien canta, hicimos notas en el suple S!, No!, Gente, Generación X, 13/20, hasta en El Gráfico salimos!.

A pesar de las edades y la corta duración, los Herederos tuvieron experiencias que bandas con décadas de trayectoria no llegan a alcanzar...
Fueron tres o cuatro años de puro rock. Éramos muy pequeños y estábamos en el medio de un volcán a punto de quemar todo. Imagináte que durante tres años estuvimos festejando el año nuevo en el Roxy brindando y tocando con Charly García, los Ratones y Calamaro. Tocamos en un festival en Obras, el Wasamara de Mario Pergolini con Viejas Locas. Salimos de gira por Punta del Este y otras costas con Juanse de padrino de la banda en el micro de gira de los Ratones. Recuerdo que una noche de fin de año estábamos nosotros, JAF y los Súper Ratones y ellos nos telonearon a nosotros. Para nosotros lo importante era tocar y ellos estaban muy calientes porque éramos los principales. Fue un momento hermoso, lástima que mucha gente quería luquear con nosotros y se fue todo al carajo. Pero tuvimos a todas las compañías queriendo editar nuestro disco.

¿Qué pasó con el disco?, ¿llegó a editarse?
Grabamos en "La Diosa salvaje", el estudio de Spinetta, producido por Andrés Calamaro, que encima nuestros viejos le compraban salame y queso cuando les pintaba el bajón, jajaj. De lo que grabamos nunca se editó nada, según cuentan el rata More pedía mucha tela y no pudo concretar el negocio. Igual ya estaba bastante rockeado el muchacho y el rock por demás hace mal, ¿no?, jaj.

¿Por qué se terminan separando?
El tema era que éramos novedad y muchos veían el negocio y querían su parte, así que empezó a irse a pique, nosotros ya estábamos creciendo y viendo como eran las cosas. Igual imagináte lo que era para nuestros viejos estar con los pendejos en el medio del rock..., el ambiente no es para niños. Era difícil, nosotros veíamos muchas cosas que hoy ya hace tiempo hicimos y hacemos... jaja. Pero para esa época nos gustaba el nesquick y jugábamos a sacar un preservativo de la máquina que había en el boliche. Después fuimos creciendo y ya el manager había bardeado y lo echamos, después conseguimos otro manager que iba para atrás. Pero fue un flash esa época, nos venían a buscar a Villa Insuperable en limosina para ir al Roxy, una locura!

Tras esto hubo algunos cambios y armaron una nueva banda:
El bajista se bajó del grupo, se pudrió porque era el más grande de los cuatro, ya tenía 17 y nosotros 15. Y ya habíamos empezado a escuchar Nirvana, Pearl Jam y muchas bandas más pesadas que los Stones y los Beatles, así que empecé con el bajo y armamos un trío. Lo que tocábamos ya no era rock and roll, tenía cosas grunge y algo punk, sin dejar el rock claro. Ahí le pusimos SOMALY y empezamos de cero! Nos sentimos bien y con ganas, somos una banda nueva!.

Y así es como se presenta actualmente, así que todos aquellos que deseen escuchar más pueden hacerlo en el Space de SOMALY. Es un nuevo aporte de SQM para la comunidad.

Con un argumento extremadamente bizarro, inexistente, inexplicable o sencillamente genial, según como se lo mire, "Voy a pagar la luz" se emitió por la pantalla de ATC durante algunas semanas de 1993 en el horario de las 19:30 a 20. Obviamente, como casi siempre sucede con los programas de los que hablamos en SQM, no quedan registros sobre el mismo, apenas una pequeña publicidad en Resiste un Archivo del cual extrajimos algunas imágenes.
Producido y protagonizado por Gastón Portal, el programa era una comedia que parodiaba a las telenovelas y contaba con un extrañísimo elenco compuesto por algunos actores como Camila Perisse, Ximena Fassi y Anabel Cherubito, más varios "freaks" que eran el alma del ciclo y que además demostraban una total falta del sentido de lo que significa actuar.
Entre estos últimos se encontraban dos personajes centrales: "Camarón Bombay", un agente secreto que debía su nombre a un tema de Divididos (que obviamente usaban como cortina durante sus apariciones), y "Uterina", una señora mayor que hacía de Top model.
Cabe destacar que las escenas "románticas" eran amenizadas con el tema "Una larga historia de Amor" del grupo Bravo y que varias de estas situaciones terminaban en la cama, en donde Portal o Uterina pronunciaban la única frase que puede llegar a recordarse de este programa: "vamos a copular".
La cortina del programa era el bolero de Lucho Gatica "Voy a apagar la luz", tema que además daba nombre al ciclo en una suerte de burla al estilo de los títulos de las obras de teatro de Nito Artaza.
Otro de los personajes era un bebé interpretado por Germán Navetta, más conocido por su papel de Tito Cossa en Todo x 2 pesos, ciclo al que además fueron a parar otros freks de "Voy a pagar la luz" (se ve que deben vivir cerca de Canal 7).
Pero el que sin dudas la pegó en grande fue Victorino Luján, conocido artísticamente como Víctor “el Gnomo”, quien actualmente trabaja en los shows del Cirque du Soleil y al que ahora los famosos le piden sacarse fotos con él.
Por otro lado, ahondando en la trayectoria de Gastón Portal se puede observar que ya había realizado un programa similar llamado "Poliladron", que posteriormente también profundizó su pasión por lo bizarro en "Clase B" (ciclo que examinaba películas de bajo presupuesto) y que la utilización de freaks fue (y en menor medida es) una constante en su carrera.
Sobre "Poliladron" puede agregarse que posteriormente Adrián Suar realizó el recordado ciclo de igual nombre por lo que como Gastón Portal ya tenía registrados los derechos del título, y tras cuatro años de disputas, Suar tuvo que pagar con acuerdo extrajudicial de por medio 141.250 pesos.
Pero los juicios continuaron: Gastón Portal junto a su padre Raúl crearon "Perdona Nuestros Pecados" (más conocido como PNP), programa que de alguna manera revolucionó la pantalla chica argentina como ciclo de archivos y autoreferencial de la TV, formato copiado hasta el hartazgo incluso en nuestros días. Debido a esto hubo un juicio de los Portal contra Diego Gvirtz, al que demandaron por haber copiado en "Televisión registrada" el formato de "PNP", y posteriormente el documentalista Miguel Rodríguez Arias demandó por plagio a Portal, Sofovich (quien decía ser co creador de PNP) y Gvirtz por considerar que su video "Las patas de la mentira" (1990), que posteriormente se convirtiera en programa del mismo nombre (1997), fue el pionero en el formato de utilizar el archivo para hacer "televisión sobre la televisión".
Si bien inicialmente el juicio por plagio de los Portal contra Gvirtz tuvo un fallo en primera instancia que embargó al productor por 100 mil pesos, en marzo de 2005, en junio del mismo año la justicia decidió invalidar la demanda por considerar que el formato no era el mismo.
Se desconoce que pasó con el juicio de Rodríguez Arias contra Portal, Sofovich y Gvirtz, pero mucho más se desconoce el paradero de los videos de "Voy a pagar la luz". Se teme lo peor: que hayan sido borrados junto con gran parte del archivo de Canal ATC durante los 90.